The Times Are Racing – Hamburg Ballett

Ein Ballettabend über Verletzlichkeit, Beziehung, Hoffnung und Bewegung

Persönliche Analyse eines Ballettabends an der Hamburgischen Staatsoper – mit Blick auf Körper, Kommunikation, Rhythmus, Beziehung und gesellschaftliche Haltung.

Veröffentlicht: 11. Mai 2026
Aktualisiert: 11. Mai 2026, 07:20 Uhr
Mathias Ellmann

Mathias Ellmann – Autor · Trainer · Kommunikation & Verantwortung
mathiasellmann.de#sport

The Times Are Racing — ein Ballettabend über Verletzlichkeit, Beziehung, Hoffnung und Bewegung

Ich habe den Ballettabend The Times Are Racing in der Hamburgischen Staatsoper als einen Abend erlebt, der weit mehr war als eine bloße Zusammenstellung von vier Choreografien. Für mich entstand eine innere Dramaturgie, die vom verletzlichen einzelnen Menschen über Beziehung und Gemeinschaft bis hin zu gesellschaftlicher Bewegung führte.

Gerade diese Entwicklung machte den Abend für mich besonders interessant. Ich sah nicht nur Tanz im ästhetischen Sinn, sondern körperlich verdichtete Kommunikation: Nähe, Distanz, Gewicht, Reaktion, Vertrauen, Widerstand, Rhythmus und Haltung.

Besonders stark war für mich, dass der Abend immer wieder die Frage berührte, wie Menschen mit erfahrenen Verletzungen umgehen. Nicht jede Wunde entsteht im sichtbaren Moment. Manches Leid scheint älter zu sein als die Szene, in der es sichtbar wird. Gerade darin lag für mich eine besondere Tiefe: Die Choreografien zeigten nicht nur Ereignisse, sondern Spuren, die im Körper weiterwirken.

Adagio — Pina Bausch

Pina Bauschs Adagio wirkte auf mich wie ein Stück über innere Zustände. Es ging nicht um äußere Virtuosität, sondern um Verletzlichkeit, Erinnerung, Nähe und menschliche Fragilität.

Besonders stark waren für mich die kleinen Gesten: ein Blick, ein Innehalten, ein Getragenwerden, ein Sich-Entziehen. Gerade weil die Bühne reduziert blieb, wurden Körper, Stoff, Haar, Nähe und Distanz zu Trägern von Bedeutung.

Ich hatte den Eindruck, dass die Tänzerinnen und Tänzer nicht nur auf einzelne Situationen reagierten, sondern tiefere emotionale Spuren im Körper sichtbar machten. Tragen und Getragenwerden erschienen mir als Bilder für Vertrauen, Abhängigkeit, Fürsorge, Verletzlichkeit und auch für die Grenze zwischen Hingabe und Selbstbehauptung.

Gerade hier wurde für mich spürbar, dass zwischen einer äußeren Verletzung und dem inneren Leid ein Unterschied besteht. Eine Geste, ein Abstand, eine Zurückweisung oder ein Sich-Entziehen können alte Wunden berühren, ohne dass die Bühne diese Vorgeschichte erklären müsste. Das Stück schien solche offenen Stellen nicht aufzulösen, sondern sichtbar werden zu lassen.

Als Tänzer nahm ich besonders das Gewicht, die körperliche Verantwortung und das Vertrauen zwischen den Körpern wahr. Adagio war für mich deshalb kein Stück, das man schnell versteht, sondern eines, das man körperlich und emotional lesen musste.

Variations for Two Couples — Hans van Manen

Hans van Manens Variations for Two Couples erlebte ich als das beziehungsanalytisch präziseste Stück des Abends. Zwei Paare traten auf, beobachteten einander, provozierten sich und reagierten aufeinander.

Für mich lag die Spannung weniger im großen Drama als in der feinen Reaktion: im Blick, in der Verzögerung, im Abstand, im Timing. Das Stück zeigte Beziehung als ein Spiel aus Nähe, Distanz, Kontrolle, Eleganz und subtiler Provokation.

Gerade als Salsa-Tänzer fand ich diesen Teil besonders interessant. Nicht, weil das Stück Salsa ähnelte, sondern weil es zentrale Fragen jedes Paartanzes berührte: Wer führt? Wer antwortet? Wer hält Spannung? Wer lässt Nähe zu? Wer bleibt unabhängig?

Die Erotik des Stücks entstand für mich nicht durch Übertreibung, sondern durch Form, Kontrolle und Genauigkeit. Van Manen zeigte, wie viel Beziehung schon in einer minimalen Reaktion liegen kann.

Auch hier lag unter der äußeren Eleganz eine tiefere Spannung. Provokation, Stolz, Eifersucht, Anziehung und Distanz erschienen nicht als bloße Spielerei, sondern als Hinweise darauf, wie sehr Beziehungen von alten Empfindlichkeiten geprägt sein können. Ein Blick kann verletzen, ein Ausweichen kann mehr sagen als eine offene Zurückweisung, eine Verzögerung kann Nähe ermöglichen oder verweigern.

The Thing with Feathers — Demis Volpi

Demis Volpis The Thing with Feathers öffnete den Abend für mich in Richtung Gemeinschaft, Hoffnung und Mitmenschlichkeit. Nach der inneren Schwere von Adagio und der Beziehungsspannung bei van Manen wirkte dieses Stück wie ein gemeinsamer Atemraum.

Die Verbindung von Körperlinien und Musik erschien mir besonders stark. Die Tänzerinnen und Tänzer wirkten nicht als bloße Gruppe, sondern als eine Gemeinschaft, in der Individualität sichtbar blieb.

Ich empfand das Stück als ruhig, berührend und hoffnungsvoll. Es stellte für mich nicht die Frage, wer sich durchsetzt, sondern wie Menschen in Verbindung bleiben können, ohne sich selbst aufzugeben.

Gerade darin lag die besondere Qualität: Hoffnung wurde nicht sentimental behauptet, sondern körperlich angedeutet — durch offene Arme, geteilte Bewegung, Resonanz und gegenseitige Bezogenheit.

Nach den vorherigen Stücken erschien mir dieses Werk fast wie eine Gegenbewegung zum inneren Festhalten an Verletzung. Nicht im Sinn einer einfachen Heilung, sondern als Möglichkeit, die Beziehung zum eigenen Schmerz und zu anderen Menschen neu zu ordnen. Gemeinschaft wurde hier nicht als Auflösung des Einzelnen gezeigt, sondern als Raum, in dem Verletzlichkeit gehalten werden kann.

The Times Are Racing — Justin Peck

Justin Pecks The Times Are Racing war für mich der unmittelbarste und rhythmisch zugänglichste Teil des Abends. Sneakers, Alltagskleidung, Tempo, Gruppenenergie und politische Botschaften gaben dem Stück eine moderne, urbane Kraft.

Hier wurde Ballett für mich sehr gegenwärtig. Die Bewegung hatte Drive, Puls und kollektive Entschlossenheit. Besonders die Wörter auf den Kostümen verschoben die Energie des Stücks von bloßer Dynamik zu Haltung.

Als Salsa-Tänzer sprach mich dieser Teil besonders über Rhythmus, Akzent, Impuls und Gruppenenergie an. Gleichzeitig ging es um mehr als Bewegungslust. Der Körper wurde zum Ausdruck von sozialer Wachheit: nicht passiv bleiben, nicht vereinzeln, sondern handeln, verbinden und antworten.

Das Stück wirkte auf mich jung, kraftvoll und politisch, ohne seine tänzerische Präzision zu verlieren.

Nach den vorherigen Teilen erhielt diese Energie für mich eine zusätzliche Bedeutung. Widerstand erschien nicht nur als äußere politische Geste, sondern auch als Antwort auf Verletzung, Ohnmacht und alte Wunden. Entscheidend war dabei, dass das Stück nicht im Vorwurf stehen blieb. Es verwandelte Spannung in Bewegung, Unruhe in Rhythmus und Vereinzelung in kollektive Handlung.

Gesamtbewertung

Rückblickend erschien mir der Abend wie eine Bewegung von innen nach außen:

Für mich lag die besondere Stärke des Abends darin, dass er verschiedene Ebenen körperlicher Kommunikation sichtbar machte. Es ging um Gewicht, Nähe, Vertrauen, Timing, Reaktion, Atmung, Rhythmus, Widerstand und soziale Bewegung.

Zugleich wurde für mich ein tieferes Thema erkennbar: Menschen tragen Erfahrungen nicht nur als Erinnerung mit sich, sondern auch als körperliche Spuren. Eine erfahrene Verletzung, eine alte Wunde und das daraus entstehende Leid sind nicht dasselbe. Gerade Tanz kann diese Unterscheidung sichtbar machen, weil er nicht erklärt, sondern zeigt, wie etwas im Körper weiterlebt.

Ich habe diesen Abend deshalb nicht nur als Ballettabend erlebt, sondern als körperlich lesbare Studie über menschliche Beziehungen: über das Bedürfnis, gehalten zu werden, gesehen zu werden, unabhängig zu bleiben, Teil einer Gemeinschaft zu sein und gemeinsam in Bewegung zu geraten.

Gerade deshalb war The Times Are Racing für mich ein überzeugender, vielschichtiger und zeitgemäßer Abend. Er verband ästhetische Präzision mit psychologischer Tiefe und moderner gesellschaftlicher Energie.

Analytische Vertiefung: Aufmerksamkeit, Gefühle und Beziehungsmuster

Was mich an diesem Abend besonders beschäftigte, war nicht nur die ästhetische Qualität der einzelnen Choreografien, sondern die Frage, warum bestimmte Bewegungen, Gesten und Gruppensituationen so stark wirkten. Der Abend ließ sich für mich nicht allein über Tanztechnik verstehen, sondern auch über Aufmerksamkeit, Bedürfnisse, Beziehungsmuster und innere Gefühlslagen.

Besonders deutlich wurde dies bei Adagio. Die Aufmerksamkeit richtete sich hier nicht auf große äußere Effekte, sondern auf minimale Veränderungen: ein Blick, ein Innehalten, ein Getragenwerden, ein Sich-Entziehen. Gerade die Langsamkeit machte jede kleine Bewegung bedeutsam. Die Bühne wirkte reduziert, wodurch Körper, Stoff, Haar, Nähe und Distanz eine größere psychologische Bedeutung erhielten. Für mich entstand daraus eine Form von Intensität, die nicht laut war, sondern innerlich wirkte.

In diesem Stück zeigte sich für mich besonders stark der Unterschied zwischen kurzfristiger Emotion und tieferem Gefühl. Eine einzelne Geste konnte Traurigkeit, Erschütterung oder Berührtsein auslösen; zugleich schien darunter etwas Dauerhafteres zu liegen: Zuneigung, Zärtlichkeit, Mitgefühl, Trauer, Scham, Hingabe oder Einsamkeit. Dadurch wirkte Adagio wie ein Stück über emotionale Langzeitspuren. Die Körper reagierten nicht nur auf den Moment, sondern schienen Erfahrungen zu tragen.

Besonders wichtig wurde für mich dabei die Unterscheidung zwischen erfahrener Gewalt, aufbrechender Wunde und entstehendem Leid. Eine äußere Geste, ein Wort, ein Abstand oder eine Zurückweisung können eine Verletzung auslösen oder eine ältere Wunde berühren. Das daraus entstehende Leid ist jedoch nicht einfach identisch mit dem äußeren Ereignis. Gerade Adagio machte für mich sichtbar, wie alte Verletzungen im Körper weiterwirken können, ohne dass ihre Ursache auf der Bühne ausdrücklich erzählt werden muss.

Diese Perspektive veränderte meine Wahrnehmung des Abends: Ich sah nicht nur Figuren, die sich begegnen, tragen, abwenden oder annähern. Ich sah Körper, in denen etwas fortwirkt. Verletzlichkeit erschien dadurch nicht als bloßer Moment, sondern als Spur. Tanz wurde hier zu einer Sprache für das, was Menschen oft nicht direkt aussprechen: dass eine Berührung, eine Distanz oder ein Blick nicht nur gegenwärtig ist, sondern Vergangenes berühren kann.

Bei Variations for Two Couples verschob sich die Aufmerksamkeit auf Beziehung. Hier wurden Blick, Timing, Abstand und Reaktion zentral. Zwei Paare standen einander nicht nur gegenüber, sondern beobachteten, provozierten und antworteten. Gerade die Begrenzung auf wenige Körper machte jede Beziehungsgeste sichtbar. Das Stück zeigte für mich, dass Spannung nicht durch große Konflikte entstehen muss. Sie kann bereits in einer Verzögerung, einer Blickrichtung oder einer minimalen Veränderung der Distanz entstehen.

Aus kommunikativer Sicht wurde hier besonders deutlich, wie eng Anziehung, Stolz, Spiel, Anerkennung, Eifersucht und Selbstachtung miteinander verbunden sein können. Eine Provokation war nicht einfach nur Provokation, sondern konnte zugleich ein Wunsch nach Reaktion, Wahrnehmung oder Bestätigung sein. Als Salsa-Tänzer nahm ich diesen Teil besonders körperlich wahr, weil Paartanz immer auch von Führung, Gegenführung, Vertrauen, Distanz und gegenseitiger Lesbarkeit lebt.

The Thing with Feathers wirkte dagegen wie eine Öffnung in Richtung Gemeinschaft. Die Aufmerksamkeit richtete sich weniger auf Konflikt oder Paarspannung, sondern auf Linien, Übergänge, Resonanz und gemeinsamen Atem. Die Tänzerinnen und Tänzer erschienen nicht als bloße Gruppe, sondern als eine Form von Gemeinschaft, in der Individualität sichtbar bleiben durfte. Dadurch entstand für mich eine andere Qualität von Beziehung: nicht Provokation und Antwort, sondern Fürsorge, Zugehörigkeit und Hoffnung.

Besonders interessant war dabei, dass Hoffnung nicht als bloße Behauptung erschien. Sie wurde körperlich angedeutet: durch offene Arme, gemeinsame Linien, geteilte Bewegung und das Verhältnis einzelner Körper zur Gruppe. Für mich ging es hier um Bedürfnisse nach Harmonie, Schönheit, Zugehörigkeit, Sinn und gegenseitiger Unterstützung. Das Stück wirkte weniger wie eine Lösung, sondern eher wie die Möglichkeit, Verletzlichkeit in einem gemeinsamen Raum zu halten.

The Times Are Racing bündelte schließlich viele objektive Aufmerksamkeitsreize: Geschwindigkeit, Rhythmus, Wiederholung, Gruppendynamik, Sneakers, Alltagskleidung und politische Begriffe wie Resist, Unite und Act. Im Gegensatz zu Adagio entstand die Wirkung hier nicht aus Reduktion, sondern aus Energie, Tempo und kollektiver Verdichtung.

Gleichzeitig blieb das Stück für mich nicht bei äußerer Dynamik stehen. Unter der Bewegung lagen tiefere Motive: Unabhängigkeit, Verantwortung, soziale Anerkennung, Selbstachtung, Widerstand, Engagement und Zugehörigkeit. Gerade dadurch wurde der Rhythmus zu mehr als Bewegungsfreude. Er wurde zu einer Form kollektiver Selbstbehauptung.

Rückblickend verband der Abend damit mehrere Ebenen: sichtbare Bewegung, kurzfristige Emotion, tiefere Gefühlslage, Bedürfnis und soziale Rolle. Man konnte sehen, wie Menschen gehalten werden wollen, wie sie sich entziehen, wie sie reagieren, sich behaupten, Verbindung suchen oder Teil einer Gruppe werden. Diese Ebenen machten den Abend für mich besonders reich.

Gerade in dieser Mehrschichtigkeit lag für mich die besondere Stärke des Programms. Adagio zeigte den verletzlichen Menschen, Variations for Two Couples die Spannung der Paarbeziehung, The Thing with Feathers die Möglichkeit gemeinschaftlicher Hoffnung und The Times Are Racing die Energie kollektiven Handelns. Der Abend führte damit vom inneren Zustand über Beziehung und Gemeinschaft bis zur gesellschaftlichen Bewegung.

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Wer die körperlichen Grundlagen von Ballett genauer verstehen möchte, findet hier eine ergänzende Einführung zu Anatomie, Physiologie, Biomechanik, Atmung, Regeneration und Verletzungsprävention.

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Einordnung der Deutung

Dieser Beitrag ist eine persönliche, essayistische Analyse des Ballettabends The Times Are Racing. Er erhebt keinen Anspruch auf eine offizielle Darstellung des Hamburg Ballett oder der Hamburgischen Staatsoper, sondern beschreibt meine eigene Wahrnehmung und Deutung des Abends.

Meine Betrachtung richtet sich besonders auf körperliche Kommunikation: auf Nähe und Distanz, Gewicht und Halt, Blick und Reaktion, Spannung und Lösung, Rhythmus und gemeinsame Bewegung. Der Abend wurde für mich dadurch nicht nur als ästhetisches Ereignis sichtbar, sondern auch als Darstellung von Beziehung, Verletzlichkeit, Hoffnung und gesellschaftlicher Haltung.

Im Hintergrund dieser Deutung stehen kommunikationspsychologische und beziehungsanalytische Modelle. Jacques Salomés Methode ESPERE ist dabei besonders hilfreich, weil sie zwischen erfahrener Gewalt, aufbrechender Wunde und fortwirkendem Leid unterscheidet. Diese Unterscheidung war für meine Deutung zentral, weil der Abend immer wieder zeigte, dass eine sichtbare Geste nicht nur ein äußeres Ereignis bleibt, sondern innere Spuren berühren, reaktivieren oder in Bewegung bringen kann.

Gerade bei Adagio wurde für mich sichtbar, dass ein Blick, ein Abstand, ein Sich-Entziehen oder ein Getragenwerden nicht nur momentane Bühnenhandlung ist. Solche Gesten können alte Verletzungen, Erinnerungsspuren und unausgesprochene Bedürfnisse berühren. Tanz wird dadurch zu einer Sprache für das, was Menschen nicht direkt aussprechen: wo sie verwundet sind, was sie zurückhalten, was sie suchen und wovor sie sich schützen.

Ergänzend dazu hilft das Übungsbuch von Monika Wilke, die Grundlagen der Methode ESPERE praktisch nachzuvollziehen. Besonders relevant war dabei für meine Wahrnehmung die Frage, wie Menschen emotionale Spannungen, Rückzug, Nähebedürfnis und unausgesprochene Erwartungen körperlich ausdrücken, ohne sie sprachlich zu formulieren. Gerade Tanz macht solche inneren Bewegungen sichtbar.

Werner Corrells psychologische Perspektive war für diese Deutung ebenfalls anschlussfähig, weil sie Aufmerksamkeit, Wahrnehmung und Grundbedürfnisse miteinander verbindet. Für meine Betrachtung des Ballettabends war dies besonders relevant, um zu verstehen, warum bestimmte Bewegungen, Blicke, Wiederholungen, Intensitäten oder Beziehungssignale meine Wahrnehmung besonders stark banden.

Marshall B. Rosenbergs Gewaltfreie Kommunikation schärft zusätzlich den Blick dafür, sichtbare Vorgänge nicht vorschnell zu bewerten. Eine Bewegung, ein Abstand, ein Ausweichen oder ein Sich-Nähern können als Hinweise auf Bedürfnisse nach Nähe, Sicherheit, Anerkennung, Selbstachtung, Autonomie oder Zugehörigkeit verstanden werden. Diese Perspektive war besonders für die Deutung von Beziehung, Verletzlichkeit und gegenseitiger Bezogenheit relevant.

Für die Betrachtung von Konflikt, Rollen und Beziehungsspannung waren außerdem Stephen Karpmans Modell psychologischer Rollenmuster sowie die Arbeiten von Christel Petitcollin anschlussfähig. Sie helfen, Dynamiken wie Provokation, Rückzug, Abhängigkeit, Selbstbehauptung, Opferrolle, Kontrolle oder Rettungsimpulse genauer zu erfassen. Solche Muster zeigten sich für mich nicht als theoretische Begriffe, sondern choreografisch: in Blicken, Gegenbewegungen, Verzögerungen, Paarspannung und kollektiver Reaktion.

Die genannten Ansätze dienen hier nicht dazu, den Ballettabend theoretisch zu überfrachten. Sie bilden vielmehr einen begrifflichen Hintergrund, um die Wahrnehmung zu klären: Tanz erscheint dann nicht nur als Bewegung im Raum, sondern als verdichtete Form menschlicher Beziehungserfahrung.

Verwendete Referenzen